Liebknecht, Robert
Bildnis einer jungen Frau vor einem Blumenstrauß
Los 8104
Ergebnis (inkl. Aufgeld) *
2.232€ (US$ 2,400)
Bildnis einer jungen Frau vor einem Blumenstrauß
Öl auf Leinwand. 1951.
50 x 61 cm.
Unten mittig doppelt mit Bleistift und Feder in Schwarz signiert "R. Liebknecht" und datiert.
Die Arme verschränkt und mit einem leicht skeptischen Gesichtsausdruck hat sich die Porträtierte vor einem Tisch mit einem bunten Blumenstrauß und anderen Utensilien platziert. Mit intensiven Farben und lockerem Pinselduktus hat der Künstler die Szene erfasst, die so ganz anders ist als die Arbeiten seines "Leitmotivs" - den von Menschenfluten überlaufenen Straßen von Paris. Deutlich persönlicher als das sonst gezeigte Getümmel namenloser Individuen, auch wenn die Porträtierte selbst auch hier unbekannt bleibt. Als 16-Jähriger wurde Robert Liebknecht 1919 mit der Ermordung seines Vaters Karl Liebknecht konfrontiert. Käthe Kollwitz, eine Freundin der Familie, ermutigte ihn, Maler zu werden. Nach Zeichenunterricht bei Hans Baluschek und Willy Jaeckel begann er 1923 ein Studium an der Dresdner Kunstakademie bei Ferdinand Dorsch, Max Feldbauer und Robert Sterl. 1933 emigrierte er nach Paris, wo er 1936 zusammen mit Max Ernst, Otto Freundlich und Paul Westheim zu den Gründern des "Kollektivs deutscher Künstler" gehörte.
Literatur: Rainer Zimmermann, "Robert Liebknecht", Folge III der Serie 'Malerei des Expressiven Realismus', in: Weltkunst, Nr. 22, München 1991, S. 3548ff., mit Abb.
Strandszene
Öl auf festem Malkarton.
35,5 x 51,5 cm.
Verso mit dem Nachlaßstempel "Lou Albert-Lasard" und mit der Werknummer "313".
Menschen am Teich
Öl auf Leinwand.
55 x 46 cm.
Unten rechts mit Pinsel in Violettbraun mit dem Künstlersignet "LAL" (ligiert), verso signiert "Lou Albert-Lasard" sowie bezeichnet "54" und mit den Maßangaben.
Einen Moment der Erholung und Ruhe finden die drei Menschen am Teichufer eines Parks. Möglicherweise inspirierte der Berliner Tiergarten Lou Albert-Lasard zu der stimmungsvollen, dicht komponierten Parkszene. Ganz locker und weich legt sie die intensiven, kräftigen Farben nebeneinander und verleiht so der Szenerie ihre heitere, sommerliche Stimmung. Zwischen 1914 und 1916 lebte Albert-Lasard in Wien und München mit dem Dichter Rainer Maria Rilke zusammen und bewegte sich in Künstlerkreisen um Romain Rolland, Stefan Zweig, Paul Klee und Oskar Kokoschka. Sie schloss sich der Novembergruppe in Berlin an und ließ sich 1928 in Paris-Montparnasse nieder, wo sie Freundschaften mit Henri Matisse, Alberto Giacometti und Robert Delaunay pflegte. Wir danken Thierry Laps, Musée d´Art Moderne et Contemporain Strasbourg, für hilfreiche Auskünfte.
Provenienz: Aus dem Nachlass der Künstlerin, Privsatbesitz Berlin
Chagall, Marc
A la femme, qu' est-il resté?
Los 8108
Ergebnis (inkl. Aufgeld) *
2.232€ (US$ 2,400)
A la femme, qu'est-il resté?
Farblithographie auf Arches-Velin. 1967.
46 x 38,5 cm (68 x 53 cm).
Auflage 120 Ex.
Mourlot 536.
Aus der Folge "Sur la Terre des Dieux", erschienen bei A.C. Mazo, Paris. Mourlot notierte neben der Gesamtauflage von 120 Exemplaren einige wenige Drucke für den Künstler, für den Autor Robert Marteau und die an der Publikation Beteiligten. Dieses Exemplar ist eines dieser Blätter neben der Auflage, mit dem Blindstempel RGM unten rechts, für den Pariser Händler R.G. Michel. Ausgezeichneter Druck in leuchtender Farbigkeit mit dem vollen Rand.
Le Jardin d'Eden
Farblithographie auf gelblichem Japan. 1974.
25 x 32 cm (42 x 52 cm).
Signiert "Marc Chagall". Auflage 50 num. Ex.
Sorlier 723.
Poetische Umsetzung des biblischen Themas. Erschienen bei Maeght, Paris. Ganz ausgezeichneter Druck mit dem vollen Rand, unten mit dem Schöpfrand.
La Magie Quotidienne
Farbradierung mit Aquatinta auf Misumi-Japan. 1959.
16 x 41,5 cm (32,5 x 50 cm).
Signiert "Miró". Auflage 10 num. Ex.
Dupin 271.
Herausgegeben in einer Gesamtauflage von 120 Exemplaren von Louis Broder, Paris, 1968. Prachtvoller, farbintensiver Druck mit dem vollen Rand.
Le Petit Chat
Farblithographie auf bräunlichem Marais-Velin. 1951.
Ca. 39 x 60 cm (56 x 76 cm).
Signiert "Miró" und datiert. Auflage 75 num. Ex.
Mourlot 111.
Für "Le Petit Chat" verwendete der Künstler die vier Farben der Lithographie "L'Oiseau Comète" (Mourlot 110), im selben Jahr kurz zuvor entstanden und hier um 90o nach links gedreht, also im Querformat abgezogen und mit einem neuen Schwarz kombiniert. Herausgegeben von Maeght, Paris. Prachtvoller Druck mit dem vollen Rand.
Miró, Joan
XV Premi Internacional de Dibuix Joan Miró
Los 8112
Ergebnis (inkl. Aufgeld) *
3.224€ (US$ 3,467)
XV Premi Internacional de Dibuix Joan Miró
Farblithographie auf Velin. 1976.
24,7 x 20,8 cm (35,8 x 29,8 cm).
Signiert "Miró.". Auflage 75 num. Ex.
Vgl. Cramer 1087.
Herausgegeben von der Fundació Joan Miró, Barcelona; Druck La Polígrafa S.A., Barcelona. Beschnitten, ohne die schwarzen Linien im unteren Bildbereich und zudem gefaltet fand die Lithographie als Umschlag für den titelgebenden Katalog Verwendung. Ganz ausgezeichneter Druck mit Rand.
L'Abella somniadora
Farblithographie auf Velin. 1979.
76,3 x 52 cm (90 x 63 cm).
Signiert "Miró.". Auflage 75 num. Ex.
Cramer 1179.
Erschienen bei der Galeria Maeght, Barcelona, in einer Gesamtauflage von 105 numerierten Exemplaren. Prachtvoller Druck in wunderbar frischer Farbigkeit mit dem vollen Rand.
Sainte-face
Kaltnadel auf BFK Rives-Velin. 1953.
53,8 x 67,5 cm (55,8 x 76,7 cm).
Signiert "Bernard Buffet". Auflage 75 num. Ex.
Gedruckt bei Lacourière, Paris, herausgegeben von Creuzevault, Paris. Prachtvoller, gratiger und tiefdunkler Druck mit Rand, seitlich mit dem Schöpfrand.
"Blaue Flasche"
Öl auf Hartfaserplatte. 1956.
42 x 56 cm.
Verso mit Kreide in Schwarz signiert "HELMUT WELLSCHMIDT" und betitelt sowie auf Klebeetikett datiert, nochmals betitelt und mit den Maßangaben sowie bezeichnet "Öl/Hartf.".
WVZ helmutwellschmidt.de, Bd. 1, Nr. 2.
Frühes, souverän abstrahiertes Stilleben des Künstlers, bei dem die blaue Flasche mit ihren kräftigen Farben und der klaren Kontur im Zentrum der sonst pastelltonigen Komposition steht. Die Arbeit entstand nach Wellschmidts Ausweisung aus der CSSR, während seines Studiums an der Akademie der Bildenden Künste Nürnberg 1952-1958.
Mundharmonikaspieler
Bleistift, Kohle und Feder in Schwarz auf festem Zeichenpapier. 1951.
50,8 x 34,9 cm.
Unten rechts mit Feder in Schwarz signiert "Paul Herrmann" und datiert.
Paul Herrmann wurde 1914, im Jahr des Ausbruchs des Ersten Weltkriegs in Königsberg, Ostpreußen, geboren. Seine Kinder- und Jugendtage verbrachte er in Frauenburg am frischen Haff, bevor er 1936 ein Studium im Staatlichen Meisteratelier für bildende Künste in Königsberg aufnahm. Unterbrochen von Krieg und Krankheit, führte er das Studium 1939 an der Staatlichen Hochschule für Bildende Künste in Berlin fort und wurde 1955 schließlich Meisterschüler von Karl Schmidt-Rottluff. Während des Zweiten Weltkriegs wurden über 1000 seiner Werke bei einem Bombenangriff zerstört. Herrmann empfand seine Kunst als fast selbständige Prozesse und Entwicklungen von Formen, denen er mit seinem handwerklichen Können zur Realisierung verhelfen musste. Selten verstand er ein Werk als vollendet, erst später wurden sie betitelt. Auch die vorliegende Zeichnung zeugt von einem langwierigen Schaffensprozess. Immer und immer wieder scheint sie überarbeitet worden zu sein. Die Fläche eines Hochrechtecks wird in mehrere, streng geometrische Formen unterteilt und in den unterschiedlichsten Stärken und Grauabstufungen zunächst mit Kohle schraffiert. In der sich zur Mitte hin verdichteten Komposition entdeckt man die Figur des Mundharmonikaspielers erst auf den zweiten Blick. Das Gesicht im oberen Drittel mit elliptischem und kreisrundem Auge, die Kopfbedeckung in Form eines Zirkuszelts. Die fünf Finger der die Mundharmonika haltenden Hand ragen leicht schräg von links in die Fläche, die Mundharmonika selbst markiert das Zentrum. Durch die vielen Grauabstufungen von fast malerischer Wirkung. Wunderschöne Zeichnung der 1950er Jahre zwischen Figuration und Abstraktion.
"Bärenzwinger"
Öl auf Leinwand. 1954.
80 x 100 cm.
Unten rechts mit Pinsel in Braun signiert "Lemcke" und datiert, verso auf Klebeetikett datiert und betitelt.
Frühes Werk des Künstlers, das im Jahr seines Abschlusses an der Berliner Hochschule für Bildende Künste entstand, wo Lemcke seit 1948 u. a. bei Karl Schmidt-Rottluff, Karl Hofer und Ernst Schumacher studiert hatte. Im Anschluss reiste er mit einem einjährigen Stipendium nach Paris an die Académie de Montmartre, geleitet von Fernand Léger. Hier beschäftigte er sich mit den Werken Pablo Picassos, Georges Braques und vor allem Henri Matisses. Als weitere prägende Einflüsse für sein späteres Werk nennt der Künstler Max Beckmanns Amsterdamer Exiljahre und Emil Noldes späte Arbeiten. 1964 übernahm Lemcke eine Professur an der Hochschule für Bildende Künste in Berlin.
Ausstellung: Das frühe Bild - Malerei und Plastik, Deutscher Künstlerbund, 10. Ausstellung, Haus der Kunst, München 1960
"Obstschale"
Öl auf Leinwand. 1968.
50 x 61 cm.
Oben rechts mit Pinsel in Rot signiert "Lemcke" und datiert, verso auf dem Keilrahmen nochmals signiert und datiert sowie betitelt und bezeichnet "18".
In gewohnt kraftvollen, leuchtenden Farben präsentiert Lemcke eine reich gefüllte Schale mit Pfirsichen, Orangen, Kirschen und anderen Früchten. Lemckes Landschaften und Stilleben sind vom südlichen Licht der Provence geprägt. Der monochrom gestaltete Hintergrund verstärkt die Strahlkraft der Farben noch weiter. "Seine auf Tellern und Schüsseln arrangierten Früchte ... oder die immer neu gesteckten vielfältigen Blumenensembles repräsentieren ihren eigenen Kosmos. Seine innere Begrenzung bilden die Platten und Gefäße. Sie sind umschlossen oder eingefangen in einen großen ortlosen Farbraum, der komplementär oder auch kontrapunktisch das Fruchtensemble buchstäblich im Bild hält ... Das ist ein Bildbestand, der aus sich selbst heraus leuchtet, seine eigene sinnliche, bukolische Üppigkeit feiert." (Lothar Romain, in: Dietmar Lemcke. Bilder, Aquarelle, Zeichnungen 1958-2003, S. 6).
"Sommerblumen"
Öl auf Leinwand. 1970.
50,5 x 60,5 cm.
Oben links mit Pinsel in Blau signiert "Lemcke" und datiert, verso auf dem Keilrahmen nochmals signiert und datiert sowie betitelt und bezeichnet "17".
Strempel, Horst
Stilleben mit Fruchtschale
Los 8122
Ergebnis (inkl. Aufgeld) *
2.728€ (US$ 2,933)
Stilleben mit Fruchtschale
Öl auf Hartfaserplatte. 1955.
29,5 x 39,5 cm.
Unten links mit Pinsel in Schwarz signiert "H. Strempel" und datiert, verso auf der Rahmenrückwand nochmals signiert, datiert und bezeichnet "Kat.-Nr. 65".
Saure 379.
Die vier Früchte arrangiert Strempel in einer flachen dunklen Schale auf einem nicht näher umrissenen, abstrakten Tisch vor einem ebenfalls abstrakten, hell gehaltenen Hintergrund. Sein Duktus ist flächig, an einigen Stellen pastos, und er führt die Komposition mit weichen, sicheren Pinselschwüngen aus. Die Ellipse der dunklen Schale, aus der effektvoll die gelbgrünen Früchte hervorleuchten, dominiert die Komposition. Im Wechselspiel von Gegenständlich und Abstrakt entsteht eine wunderbar harmonische, farbkräftige Darstellung.
Mädchen im Atelier
6 (5 farbige) Aquatintaarbeiten auf Velin. Lose in Halbleinenmappe. 1956.
53,5 x 38,5 cm (Blattgröße).
Jeweils signiert "H. Strempel" und datiert. Auflage 5 bzw. 6 num. Ex.
Saure 2523-2525, 2527, 2528, 2531.
Prachtvolle Drucke mit schönen farbigen Akzenten in Rot und mit dem vollen Rand. Selten. Beigegeben: Eine signierte Radierung und eine signierte Lithographie von Horst Strempel.
Strempel, Horst
Zwei Frauen (Entwurf für einen Stoff)
Los 8124
Ergebnis (inkl. Aufgeld) *
2.232€ (US$ 2,400)
Zwei Frauen ("Entwurf für einen Stoff")
Malerei auf Seide. 1957.
85 x 79,5 cm.
Unten links mit Pinsel in Schwarz signiert "H. Strempel" und datiert, verso auf dem Keilrahmen nochmals signiert, datiert, betitelt und bezeichnet "Kat.-Nr. 135 (Entwürfe)".
Saure 430.
Eine hinreißend heitere Komposition: Gegenständliche und abstrakte Elemente, Mädchenköpfe, Pflanzenmotive und buntfarbige Kugelformen fügen sich zu einem modernen Stoffmusterentwurf im Stil der 1950er Jahre. Neben den schwarzen Elementen beschränkt Strempel seine Palette lediglich auf die Grundfarben Rot, Blau und Gelb. Seit 1955 war Strempel als Tapeten- und Stoffdesigner für das Berliner Tapetenatelier Frei-Hermann als freier Mitarbeiter tätig. Nur selten versah er diese Entwürfe mit seinem Namen, so dass heute deren Nachverfolgung kaum mehr möglich ist. Üblicherweise trennte er strikt zwischen freier und angewandter Kunst, doch beeinflusste "seine Design-Tätigkeit die stilistische Ausformung des übrigen Werks stark (...) Die Modernität, die für die Vermarktung seiner Designs unabdingbar war, beeinflusste ihn auch in seinen freien Arbeiten." (Saure S. 116, 118).
Dittberner, Martin
Die ornamentierten Häuser
Los 8125
Ergebnis (inkl. Aufgeld) *
1.240€ (US$ 1,333)
Die ornamentierten Häuser
Öl auf Hartfaserplatte. 1959.
30,2 x 29 cm.
Eine phantastische, menschenleere Szenerie, charakteristisch für Dittberners Malerei. Dicht aneinander und hintereinander gestaffelt stehen die Häuser unter nachtschwarzem Himmel, und sie sind doch von einer unerklärlich scheinenden Lichtquelle soweit erhellt, dass ihre Farben und Ornamente aus dem Dunkel hervorleuchten. Die stille, geheimnisvolle Komposition lädt dazu ein, den Blick in die Tiefe der Zwischenräume zu versenken und quasi die Bildwelt zu betreten.
Ausstellung: Große Kunstausstellung, Berlin 1959 (mit deren Etikett beiliegend)
Dittberner, Martin
Surrealistische Komposition
Los 8126
Ergebnis (inkl. Aufgeld) *
1.116€ (US$ 1,200)
Surrealistische Komposition
Öl auf Hartfaserplatte. 1966.
27 x 34,8 cm.
Verso mehrfach mit Pinsel in Weiß bzw. Schwarz signiert "Martin Dittberner" und datiert.
Martin Dittberner nimmt unter den Berliner Phantasten durch seine ausschließlich kleinen bis winzigen Formate einen ganz besonderen Platz ein. Die Welt scheint für ihn aus Versatzstücken zu bestehen, die keinen anderen Zweck haben, als seine Phantasie zu immer neuen Konstellationen und Kompositionen anzuregen; "gerade in deren äußerer Kleinheit verbergen sich die unabschätzbaren Ausmaße der Weite und Ferne ihrer inneren Dimension." (Eberhard Roters, in: Martin Dittberner, Ausst.-Kat. Schloss Bellevue, Kassel 1979, S. 2). In einer altmeisterlich sorgfältigen Technik malt der Künstler die surreale Szenerie bis in die kleinsten Einzelheiten technisch brillant.
60/11
Bronze mit schwarzbrauner Patina. 1960.
31,3 x 21 x 12 cm.
Auf der Innenseite signiert "HAJEK" und bezeichnet "60/11".
Koos P 146.
Komplex und filigran strukturierte Bronze. Mit der seit Mitte der 1950er Jahre entstandenen Werkgruppe der "Raumknoten" findet Hajek, angeregt durch die Werke Constantin Brâncuși und Henry Moores, zu eigenständigen Formen, die ihr Volumen in den Umraum hinein öffnen. Die Skulptur scheint Bewegung und Wachstum auszudrücken und gestaltet damit den dreidimensionalen Raum um sich herum. Bereits 1959 nahm der Künstler an der documenta II in Kassel mit seinen frühen, im Stil des Informel gehaltenen Raumknoten und Raumschichtungen teil. In diesen Werken "kommen Momente des Systematischen und Tektonischen zum Tragen, die auf eine räumliche Involvierung des Betrachters zielen. Gerüststrukturen geben dem Unruhig-Zerklüfteten eine innere Ordnung, die freilich ihre eigene, aus Richtungsgegensätzen resultierende Dynamik hat." (Peter Anselm Riedl, Otto Herbert Hajeks Position in der Gegenwartskunst, in: O.H. Hajek, eine Welt der Zeichen, Ausst.-Kat. Bonn 2000, S. 22). Prachtvoller Guss mit effektvoll changierender Patina.
Boxer
Bronze mit goldbrauner Patina, auf Bongossi-Holzsockel montiert, 1957.
25,2 x 10,5 x 10,5 cm.
An der Fußinnenseite monogrammiert "H. ST." und datiert.
Dichte und vielschichtige Bronze aus Herbert Strässers kubistischem Frühwerk. Die Stilisierung und die Aufsplitterung der menschlichen Figur in geometrische Elemente verleiht der Skulptur eine konzentrierte, überzeugende Allansichtigkeit. Die glatte, weiche Oberfläche mit ihrem Wechsel von weich geschwungenen Kugelformen und geraden Kanten lädt zum Drehen und zum Berühren ein. Die dynamisch nach außen weisenden Faust-Kugelformen gehen mit dem sie umgebenden Raum ein wechselvolles, spannungsreiches Verhältnis ein und unterstreichen, indem sie verschiedenen Phasen des Boxkampfes zeigen, die Synchronizität in der Umsetzung des Kampfthemas.
Erst kurz zuvor, 1955, begann Herbert Strässer nach seiner Beschäftigung mit der experimentellen Fotografie bei Otto Steinert die ersten plastischen Arbeiten zu formen. "Er hat die Skulptur des Kubismus als Leitlinie der Offenbarung für die Zukunft angesehen. Auch bei scheinbar zu reinen 'Zeichen' reduzierten Formen lässt er sich zunächst von der Natur, der menschlichen Figur (...) leiten" (Wolfgang Kermer, Herbert Strässer, Ausst.-Kat. Saarbrücken 1968, o. S.). Ganz prachtvoller Guss mit schimmernder homogener Patina. Gesamthöhe mit Sockel: 28 cm.
Strässer, Herbert
Hommage à Henri Laurens
Los 8129
Ergebnis (inkl. Aufgeld) *
8.680€ (US$ 9,333)
Hommage à Henri Laurens
Bronze mit goldbrauner Patina, auf Bronzeplinthe montiert. 1959.
12 x 29,5 x 14,5 cm.
Unten am linken Fuß monogrammiert "H. ST." und datiert.
Das Wesentliche an der liegenden weiblichen Gestalt erfasst Strässer ebenso präzise und konzentriert wie den ästhetischen Impuls aus dem bildhauerischen Schaffen Henri Laurens', der neben Zadkine und Lipchitz zu den entscheidenden Inspiratoren Strässers gehörte. Nur fünf Jahre nach Henri Laurens' Tod bezieht Strässer sich auf eines der berühmten Motive des Künstlers: Der liegende Frauenakt mag sich motivisch wie auch kompositorisch an der erst 1948 entstandenen Bronze "L'Automne" orientieren; die liegenden Frauenfiguren Laurens' beeindruckten nicht nur Strässer, sondern auch seine Förderer Karl Hartung und Henry Moore. Die Üppigkeit der weichen weiblichen Rundungen lässt bei Strässer die metallene Härte der Bronze in den Hintergrund treten. Dazwischen sorgen Geraden und Kanten für klare Linien und halten die anmutig komponierte Liegende in einer ausgefeilten Balance zwischen Spannung und Gelöstheit, Wölbung und Kehlung, sicherer Abstraktion und einer deutlich an der menschlichen Gestalt orientierten Formgebung. Der Lichteinfall zaubert ein sanftes Schimmern auf die Bronze und vertieft die Lebendigkeit der Komposition. Ganz prachtvoller Guss mit schön schimmernder, leicht changierender Patina. Bedeutende Skulptur aus Strässers Frühwerk.
Ohne Titel
Gouache auf strukturiertem grauen Velin. 1950.
40,3 x 60,7 cm.
Unten rechts mit Bleistift monogrammiert "TH." und datiert, verso nochmals datiert und zweifach mit der Werknummer "286".
Zitronengelb, Schwarz, Rot und Blaugrau vereint Thieler in der abstrakten Komposition. Die Bildkomposition flieht und verdichtet sich in dynamischen, gezackten Bewegungen. Die frühe Auseinandersetzung Fred Thielers mit Rhythmus und Bewegung als Mittel der Bildsprengung kommt hier deutlich zum Tragen. Unsere Komposition entstand ganz kurz nach der Gründung der Gruppe ZEN 49, in der sich Thieler zusammen mit Willi Baumeister, Rupprecht Geiger, K.R.H. Sonderborg und Fritz Winter engagierte. Nach dem Zweiten Weltkrieg besuchte Fred Thieler die Malereiklasse von Karl Caspar und studierte von 1946 bis 1950 an der Akademie der Bildenden Künste in München; hier malte er 1947 seine ersten abstrakten Bilder.
Ohne Titel
Siebdruckfarbe auf Leinwand. 1959.
69 x 99 cm.
Unten rechts mit Kreide in Schwarz signiert "F Thieler" und datiert sowie verso zweifach bezeichnet "Nr. 96/1959" sowie "WV5/324".
Melchior 5/324.
Schwarz, Blau und Weiß: Die Thielersche Palette der späten 1950er Jahre ist bewusst auf nur wenige Farben beschränkt. Die weiß grundierte Leinwand bildet den Hintergrund für die gestischen, teils zeichenhaften und hochdifferenzierten Pinselschwünge, für gespachtelte Strukturen und Kratzer des Pinselstiels in der feuchten Farbe. Hierbei scheint das Blau mal im Vordergrund zu stehen, mal neben dem Weiß nach hinten zu treten und erzeugt so variierende räumliche Effekte. Durch verschiedene Farbkonsistenzen lässt Thieler eine reliefartige, unterschiedlich deckende Oberflächenstruktur entstehen. Aus der Kombination von gestischen Farbspuren, aufplatzenden Oberflächen und tiefsatten Farbflächen entsteht ein Spannungsverhältnis zwischen Linie und Farbe, in dem der Entstehungsprozess des Bildes und wegen der zähen, schnell trocknenden Siebdruckfarbe sogar die Maldauer erkennbar bleibt. Mit seinen Pinselschwüngen rhythmisiert Thieler die Komposition und lässt sie in dynamischen Bewegungen nach außen fliehen, wodurch die Auseinandersetzung des Künstlers mit Rhythmus und Bewegung als Mittel der Bildsprengung deutlich zum Tragen kommt. "Die bewusst herbeigeführte Ereignishaftigkeit der Bilder ist für Thieler mehr als eine experimentell-sinnliche Lust an der Farbe, am Malprozess - die ungewisse Veränderbarkeit ist Bildthema und Impuls zugleich. Darin offenbart sich Thielers Grundhaltung einer Erkenntnis und Anerkenntnis des steten Wandels des Lebens, der Ungesichertheit der menschlichen Existenz, der momentanen Subjektivität von Erleben und Erfahren" (Jörn Merkert, in: Fred Thieler. Monographie und Werkverzeichnis, Hrsg. A. Firmenich und J. Merkert, Köln 1995, S. 16).
Abstrakte Komposition
Tempera auf festem Velin. 1962.
47 x 99 cm.
Unten rechts mit Buntstift in Blau monogrammiert "K" und datiert.
Hans Kinder absolvierte ein Studium an der Kunstgewerbeschule Dresden und war im Jahr 1924 als Gasthörer am Bauhaus in Weimar. Im Anschluss ging er als Meisterschüler von Max Feldbauer zurück nach Dresden an die Akademie der Künste. Die Begegnung mit dem Werk von Picasso 1942 beeinflussten das Schaffen von Hans Kinder maßgeblich. Mit unglaublicher Experimentierfreude übernimmt der Künstler moderne und abstrakte Impulse in seine Kunst und schafft eine ganz eigene farb- und formtheoretische Lehre. Unsere abstrakte Komposition löst den Raum in kubistische Formen auf. Der gespachtelte, pastose Farbauftrag unterstreicht die Wirkung des räumlichen Empfindens.
Abstrakte Kompositionen
10 Farbholzschnitte auf hauchdünnem Japanbütten. 1955-1959.
Bis ca. 31 x 24,9 cm (Blattgröße).
Sämtlich signiert "Fritz Harnest".
Ausgesprochen prachtvolle, satte und farbintensive Drucke der harmonisch angelegten Reihe, mit Rand, nahezu sämtlich an einer Seite mit dem Schöpfrand.
Provenienz: Galerie Stangl, München
Ohne Titel
Öl auf Leinwand. 1959.
40 x 30 cm.
Verso mit Pinsel in Schwarz signiert "Geccelli" und datiert.
Geccelli begann nach dem Zweiten Weltkrieg ein Studium an der Kunstakademie in Düsseldorf. 1964 zunächst als Gastdozent in Hamburg, wurde er 1965 an die Hochschule der Künste, Berlin, berufen. Mit großem Engagement kam er dort seiner lehrenden Aufgabe nach. Bekannt wurde Geccelli vor allem durch seine monochromen Farbstudien. Das hier vorliegende frühe Werk des damals 34-jährigen Geccelli steht am Beginn dieser Entwicklung. Dem monochromen, grauen Grund werden mit wenigen, pastosen weißen Pinselstrichen die Formen von zwei leeren Flaschen mit Gläsern eingeschrieben. Noch mit angedeuteten Spiegelungen und Schattenspuren, beginnen sich die Formen allmählich in der Farbe der Fläche aufzulösen.
Monochrome und Feuer
3 Doppelbl. Text, Ausstellungsverzeichnis und Abbildungen. Lose in Orig.-Kartonumschlag sowie 2 gerahmte Farbserigraphien in Blau bzw. Pink auf Karton. 1961.
Jeweils 32 x 23,5 cm.
Die Arbeiten erschienen mit der Herausgabe des Ausstellungskataloges vom Kaiser Wilhelm Museum Krefeld anlässlich der ersten deutschen Gesamtausstellung Yves Kleins 1961 im Museum Lange in Krefeld. Diese Ausstellung war für Yves Klein die erste institutionelle Auslandspräsentation, die gleichzeitig auch die einzige öffentlich museale Ausstellung zu Lebzeiten des Künstlers war. Yves Klein arbeitete mit sehr unterschiedlichen alltäglichen bzw. elementaren Mitteln: Er verwendete unbehandelte Farbpigmente und Blattgold (hier fehlt der goldene Karton); statt eines Pinsels nutzte er Malerrollen, Spachtel und Frauenkörper zum Fertigen seiner Bilder; Schwämme werden bei ihm zu Farbobjekten; mit Feuer, Wasser und Luft entstanden Aktionen, Bilder und Skulpturen. Auf diese Weise negierte der Künstler seine eigene Handschrift und stemmte sich gegen die romantische Vorstellung vom Künstlergenie. Dennoch wurden gerade seine farbigen Monochrome zu Ikonen der Malerei des 20. Jahrhunderts.
"Daisy Daisy"
Lithographie auf Arches-Velin. 1965.
48,5 x 62,5 cm (Blattgröße).
Signiert "Allen Jones" und datiert. Auflage 20 num. Ex.
Lloyd 34.
Mit den Blindstempeln des Tamarind Lithography Workshop, Los Angeles. Prachtvoller Druck.
Ohne Titel
Bleistift und Filzstift in Blau auf Velin. 1971.
32 x 24 cm.
Unten rechts mit Bleistift signiert "Antes", datiert und bezeichnet "XIII", verso mit der Werknummer "A-H 133".
Ein paar blaue Punkte oder Häkchen, mit breitem Faserstift in der Bildebene verteilt, werfen lange Schlagschatten nach links. Mit diesen einfachsten Mitteln konstruiert Antes effektvoll einen Bildraum. Anklänge an solch reduzierte räumliche Gestaltungen finden sich in der lithographischen Folge "Agamemnon", entstanden seit 1971 bis 1976.
Provenienz: Galerie Stangl, München
Ohne Titel
Collage mit Klebeband und Mischtechnik auf Velin. 1971.
32 x 24 cm.
Unten rechts mit Bleistift signiert "Antes", datiert und bezeichnet "XII", verso mit der Werknummer "A-H 141".
Nicht die gewohnten Kopffüßler, sondern eine Raumkonstruktion, die in ihrer Einfachheit und effektvollen Gestaltung verblüfft: eine Linie als Horizont im Weiß, ein paar Blöcke und Stäbe in der Ebene, die ihren Schatten werfen, die Farben beschränkt auf Braun, Rot und Blau, dazu der Bleistift. In der lithographischen Folge "Agamemnon", entstanden seit 1971 bis 1976, finden sich ähnlich reduzierte räumliche Gestaltungen.
Provenienz: Galerie Stangl, München
"A 38"
Mischtechnik (Gouache, Farbstifte und Kohle) auf Ingres-Bütten. 1962.
70,4 x 100 cm.
Unten links mit Pinsel in Weiß signiert "antes" und mit der Werknummer, verso nochmals signiert und datiert.
Alles ist in Bewegung, scheint im Bildraum zu schweben. Kein gestalterisches Gesetz scheint die breiten, sicher hingeworfenen schwarzen Linien, die abstrakten Formen und fast-figurativen Elemente zu beherrschen. Dunkelheit und Dynamik bestimmen das Bild. In dieser kurzen und entscheidenden Schaffensphase beginnt Horst Antes ab ca. 1960 stufenweise damit, die für seine künftige Arbeit charakteristische Figur des "Kopffüßlers" zu entwickeln, und ein Dokument dieses Geburtsprozesses ist die abstrakt anmutende und doch bereits figürliche Elemente zeigende Komposition "A 38".
Als einer der Pioniere der gegenständlichen Malerei suchte Horst Antes, sich von der informellen Nachkriegsmalerei fortentwickelnd, nach neuen Möglichkeiten der figurativen Malerei. Willem de Kooning, der informelle und figürliche Elemente verknüpfte, war ihm hierbei ein Anreger. So ist Antes ein Mitbegründer der neuen figurativen Malerei in Deutschland. 1962, im Entstehungsjahr von "A 38", hielt Antes sich in Florenz in der Villa Romana auf. Expressive, großformatige Papierarbeit aus dem gesuchten und bedeutenden Frühwerk des Künstlers.
Poseidon
Radierung mit Kaltnadel und Lichtdruck auf Arches-Velin. 1963-65.
60,5 x 49,5 cm (76,2 x 56,5 cm)
Signiert "Dalí" und bezeichnet "E.(preuve d.) A(rtiste)".
Michler/Löpsinger 119 e.
Aus der Folge "Mythologie", erschienen bei Pierre Argillet. Eines der 14 EA-Exemplare des Druckes "Poseidon" auf Arches-Velin. Ausgezeichneter Druck mit dem vollen Rand, rechts und links mit dem Schöpfrand.
Leda
Radierung mit Kaltnadel und Lichtdruck auf Arches-Velin. 1964.
50,8 x 41,5 cm (66,5 x 50 cm).
Signiert "Dalí". Auflage 150 num. Ex.
Michler/Löpsinger 126 a (von e).
Aus der Folge "Mythologie", erschienen bei Pierre Argillet in einer Gesamtauflage von ca. 170 Exemplaren. Ausgezeichneter Druck mit breitem Rand, oben und unten mit dem Schöpfrand.
Dalí, Salvador
Espejo Vivo (Lebender Spiegel)
Los 8145
Ergebnis (inkl. Aufgeld) *
1.116€ (US$ 1,200)
Espejo Vivo (Lebender Spiegel)
Kaltnadel auf Piera-Velin. 1973.
64,5 x 50 cm (77,5 x 57,5).
Signiert "Dalí". Auflage 75 num. Ex.
Michler/Löpsinger 579 b (von e).
Erschienen bei der Galerie Spectra, in einer Gesamtauflage von 300 Exemplaren, von denen 75 auf Piera-Velin herausgegeben worden sind. Ausgezeichneter Druck mit dem vollen Schöpfrand.
Ohne Titel
Öl auf Novopan. 1964.
120 x 110 cm.
Verso oben links mit Pinsel in Schwarz monogrammiert "R.K." sowie mittig datiert, unten weitere gelöschte Datierung und mit Richtungspfeil.
Herrlich charakteristische Komposition Küchenmeisters: Ein rötlich schimmerndes Auge ist in dem dicken Farbauftrag mit feinster Schärfe plastisch herausgearbeitet und kennzeichnet die abstrakt-organische Form als Figur. So sehen wir also ein gespensterhaftes Wesen, rätselhaft von einem schräg-senkrechten Ornamentband durchzogen, streng, zurückgenommen und zugleich hochlebendig.
Küchenmeister wendet sich jenseits des arrivierten Informel und Action Painting dem Dialog mit der Figur zu und zählt so mit seinen Arbeiten zu den Protagonisten einer neuen figurativen Richtung in der Kunst der 1960er Jahre. 1961 gelang ihm nach seinen Studien in Bielefeld und an der Kunsthochschule in Berlin-Weißensee der Durchbruch in der westdeutschen und der französischen Kunstszene. 1964 wurden seine Arbeiten auf der documenta III in Kassel in der Abteilung Malerei gezeigt.
Provenienz: Galerie Stangl, München (mit deren Klebeetikett verso, dort typographisch bezeichnet)
Ausstellung: Kunstverein Düsseldorf 1980/81, Kat.-Nr. 22
Küchenmeister, Rainer
Letzter Gruß an Liat
Los 8147
Ergebnis (inkl. Aufgeld) *
2.728€ (US$ 2,933)
Letzter Gruß an Liat
Mischtechnik auf Novopan. 1980.
118 x 82,5 cm.
Verso mit Kreide in Blau signiert "RAINER KÜCHENMEISTER" und datiert sowie bezeichnet "M".
Die Phantasieformen lassen figurative wie erotische Assoziationen zu. Sie stehen im Zentrum der Komposition und lassen in ihrer reliefhaften Durchformung verschiedene übereinanderliegende Farbschichten erkennen. Die obenauf liegenden hellen Farbnuancen von Weiß, Rosa und Grau ebenso wie die fein differenzierte Binnengestaltung heben die organische Form vom schwarz-dunklen Untergrund ab. Es geht Küchenmeister mit seinen figurenartigen Darstellungen nicht um ein naturgetreues Abbild, sondern vielmehr um eine Gestaltsuche in verschlüsselter, stark abstrahierter Form. Eher aus der inneren Imagination als aus der Erfahrung äußerer Realitätseinflüsse entsprungen, treten seine freien Figurationen als isolierte Phantasieformen in Erscheinung, als ebenso fremdartige wie faszinierende Gestalten.
Erst spät, im Jahr 1994, wurde Rainer Küchenmeister in einer Ausstellung über die Rote Kapelle in Karlsruhe als Mitstreiter genannt - zur großen Überraschung der Kunstwelt.
Provenienz: Galerie Stangl, München (mit deren Klebeetikett verso, dort typographisch bezeichnet)
Ohne Titel
Pinsel in Schwarz und Bleistift auf Velin. 1964.
39,2 x 29,4 cm.
Unten rechts mit Feder in Schwarz monogrammiert "R.K" und datiert.
Die frühe Zeichnung mit ihrem symbolischen Charakter scheint wie von einer magischen Kraft erfüllt und lässt die Deutung ganz dem Betrachter, der aufgerufen ist, sie mit Leben zu erfüllen. Küchenmeister feierte in ebendiesem Jahr, 1964, seinen internationalen Durchbruch auf der Documenta III in Kassel.
"RK 13.VI.64 P"
Aquarell, Gouache und Feder in Schwarz auf Velin. 1964.
29,5 x 27,3 cm.
Unten rechts mit Feder in Schwarz monogrammiert "R.K." und datiert bzw. betitelt.
Eine einzelne Figur, nach links gewandt, erhebt sich mitten auf dem weiß belassenen Papier. Unverbunden steht sie allein in dem undefinierten Umraum, und so muss sie ganz auf sich selbst bezogen bleiben. "Immer aber sind die Aquarelle Zeugnisse eines virtuosen Umgangs mit der Wasserfarbe (...). Alles, was dieser Mann hervorbringt, ist nahezu ausschließlich ein Monolog oder besser ein Dialog mit sich selbst, mit dem in ihm Eingeschlossenen." (Herbert Pée, in: Rainer Küchenmeister, Ausst.-Kat. Karl & Faber, München 1992, S. 3).
Provenienz: Galerie Stangl, München (mit deren Stempel und dem Klebeetikett auf der Rahmenrückseite, dort typographisch bezeichnet)
"29.VI.71 P"
Aquarell, Gouache, Deckweiß, Feder in Schwarz und in Gold auf Velin. 1971.
36,5 x 28,3 cm.
Unten rechts mit Feder in Schwarz datiert bzw. betitelt.
Wie ein Knochen steht die organische Form im Zentrum der Komposition, die untere Hälfte umgeben von einem schräg-eckigen Kasten. In ihrer Mitte umschließt sie ein schwarzes, haarig wirkendes Knäuel, innen türkis-rosa schimmernd und außen umsponnen von zauberischen goldenen Fäden. Feinnervig schwingende Linien, Punkt- und Strichfelder bilden ein Spannungsfeld von höchster Sensibilität und Intensität.
Ausstellung: Rainer Küchenmeister, Werke 1960-1980, Kunstverein für die Rheinlande und Westfalen, Düsseldorf 1980, Kat.-Nr. 72
Rainer Küchenmeister, Werke 1961-1985 (ehem. Galerie Stangl), Karl & Faber, München 1992, Kat.-Nr. 119 (mit deren Klebeetikett auf der Rahmenrückseite)
"Destroyed Music"
Langspielplatte, zerkratzt, angeschmolzen und mit roter Farbe. Auf Plexiglasscheibe geschraubt. 1963-79.
33 x 33 cm.
Verso auf der LP mit Kugelschreiber signiert "Milan Knizak", datiert und betitelt.
Der tschechische Aktionskünstler und Musiker Knizak organisierte die ersten Fluxus-Aktionen in Tschechien. George Maciunas ernannte ihn 1965 zum "Direktor von Fluxus-Ost". Seine "destruierte Musik" entstand seit 1964, durch Überkleben, Übermalen und mechanisches Bearbeiten von Schallplatten, und aus Teilen verschiedener, etwa mit Feuer angeschmorter oder zersägter Platten stellte er abspielbare Schallplattencollagen her. Hier ist es eine LP der Sängerin Gitte, die Knizak deformiert.
Ausstellung: Die Kunst zu sammeln, Stiftung Museum Kunstpalast Düsseldorf 2007, mit deren Klebeetikett verso auf dem Plexiglas
Gegenbild und Schatten
Farbserigraphie auf Velin. 1965.
Ca. 50 x 56 cm (50 x 65 cm).
Signiert "OPiene" (ligiert) und datiert. Auflage 30 num. Ex.
Rottloff 15.
Abweichend von den Angaben bei Rottloff auf 1965 datiert (dort: 1964/65). Die kleine Auflage erschien beim Verlag der Edition Rottloff Karlsruhe. Prachtvoller Druck mit dem vollen Rand. Sehr selten.
Provenienz: Galerie Rottloff, Karlsruhe
Halbe Rose
Farbserigraphie auf Velin. 1965.
32 x 65 cm (50 x 65 cm).
Signiert "Piene", datiert und bezeichnet "épreuve d'artiste".
Rottloff 7/4.
Die Auflage erschien in Pienes früher Siebdruckfolge "Rose oder Stern". Prachtvoller Druck mit dem vollen Rand. Äußerst selten.
Provenienz: Galerie Rottloff, Karlsruhe
Tele-schwarz-weiß
Serigraphie auf festem Velin. 1970.
38 x 38 cm (65 x 50 cm).
Signiert "Piene" und datiert. Auflage 10 num. Ex.
Vgl. Rottloff 77.
Rottloff notiert eine farblich abweichende Auflage in Rot und Schwarz; die schwarz-weiße Variante, erschienen in sehr kleiner Auflage, ist äußerst selten. Prachtvoller Druck mit dem vollen Rand.
Provenienz: Galerie Rottloff, Karlsruhe
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